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Klaxons

Rave it's over

 

Olga de Asenjo

 

El pasado Junio se editó “Love Frequency” (Because / Warner, 2014), tercer trabajo de los británicos Klaxons, del que habían ido dando pistas (ahora un single, ahora un vídeo) desde principios de año. La producción, larga y costosa, ha contado con un extenso elenco de colaboradores entre los que se encuentran Tom Rowlands (Chemical Brothers), Erol Alkan (Boize Noize) o James Murphy (LCD Soundsystem), por citar algunos. El resultado es un álbum luminoso aunque un tanto irregular, cargado de influencias e instalado en un pop de regusto ‘mainstream’ que se aleja del pasado inmediato de la banda, siempre distinguible por sus riffs machacones. Hablamos con James Righton (teclado y voces) en un hotel de Madrid aprovechando que han estado tocando en Barcelona en el Escenario Estrella Damm y ahora que tocan en una fiesta secreta en Madrid (miércoles 24 de septiembre) gracias a The Ticket y Converse.

 

Han pasado más de cuatro años desde el lanzamiento de vuestro anterior disco, "Surfing The Void", y otros cuatro desde el primero "Myths of the Near Future". Además, decís por ahí que algunas canciones tardaron en producirse dos años y medio…

Oh, sí. Hasta cuatro años, en algunos casos.

 

Madre mía, ¿vuestro proceso de producción es siempre tan largo?

Sí, siempre. La gira del anterior disco duró dos años, y durante ese tiempo empezaron a esbozarse algunos temas, pero es muy difícil componer mientras giras porque tienes pocos huecos libres. Además, nunca hemos sido una banda que saca la guitarra en la furgoneta y compone, como Led Zeppelin o Artic Monkeys. Nuestra música está mucho más producida; necesitamos calma para sentarnos al piano y hacer experimentos. Cuando por fin encontramos ese tiempo, había que decidir quién nos lo iba a producir... El otro día estaba comentando con otro músico que lleva mil años en la industria lo complicado que es hacer música en estos tiempos: grabar un vídeo con un presupuesto que no tienes, encontrar un buen director que quiera hacerlo y que todo el mundo esté de acuerdo en todo, conseguir la portada adecuada, la estética perfecta... El álbum de Daft Punk estaba terminado un año antes de su lanzamiento, y todo ese tiempo se invirtió en hacer una campaña impecable.

 

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No puedo evitar hacerte esta pregunta: Tom Rowlands, James Murphy, Erol Alkan...Habéis trabajado con muchísimos productores en “Love Frequency”. ¿Queríais un sonido muy ecléctico?

Siempre hacemos álbumes muy eclécticos. Nos aburrimos con facilidad, intentamos que nada suene a algo que ya hemos hecho. Queríamos trabajar con todos ellos porque nos gustan como músicos y como personas. Erol y Tom son amigos, hacen música electrónica, psicodélica, dance, pop… Las bases de nuestra música, vaya. Creemos que no están a mil años luz de nosotros y resulta mucho más natural trabajar con ellos que con Ross Robinson, el productor del segundo disco, tenemos más cosas en común.

 

Oí que hubo mal rollo...

Sí, sí. (Hubo muchos rumores sobre el descontento de la banda con el resultado de “Surfing The Void” y las imposiciones de la discográfica)

 

 

Hablando de productores, ¿cuál fue la contribución de James Murphy a "Love Frequency"? He leído que nunca terminó su trabajo

James es... bueno, creo que no hace falta que añada  más información sobre James. Nos conocimos cuando yo era un crío, es una larga historia.  Por mi 18 cumpleaños viajé a Edimburgo para ver a LCD Soundsystem, conseguí colarme en el backstage y me presenté. Hablamos de música toda la noche, fue increíblemente generoso conmigo. Hemos mantenido la amistad todos estos años y siempre lo recordamos cuando salimos a beber. Siento que fue mi mentor.

Empezamos a escribir "New Reality" con él y hemos usado las voces y los efectos que grabó, y luego Tom (Rowlands), que ya estaba trabajando en otros temas, lo remató. Intentábamos encontrar tiempo, pero estábamos todos ocupados; él vive en Nueva York, nosotros en Londres... Era muy complicado. Pero estoy seguro de que volveremos a trabajar en el futuro.

 

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Escuchando “Love Frequency”, la primera impresión es que es un álbum mucho más pop, las guitarras casi han desaparecido. ¿Era vuestra intención desde el principio?

En realidad las guitarras están en todo el disco, solo que están hechas con sintetizadores. Al acabar la gira anterior nos dimos cuenta de que sonábamos muy metaleros en ocasiones, y eso asusta. Siempre hemos querido hacer pop, somos grandes fans de ABBA, de las melodías y los estribillos pegadizos, pero sin tener miedo a sonar fuerte (me lo dice en castellano) cuando hace falta. Queremos que las chicas puedan cantar y bailar y, si consigues eso, también te ganas a los chicos. (risas)

 

También parece diseñado para tocar en directo. Veo que habéis cambiado la estética completamente: ahora lleváis chaquetas blancas y tocáis instrumentos 3D

La música no es solo música, tiene que haber todo un concepto estético por detrás. Jack White (ex White Stripes) lo hace muy bien, por ejemplo. Lo de los instrumentos nos lo ofrecieron y nos pareció divertido probar algo nuevo con la tecnología, como una especie de confrontación del  hombre con la máquina, un homenaje a Kraftwerk. La idea clásica de hacer música electrónica con corazón y alma. No podemos estar más contentos con el resultado del directo, todo funciona a la perfección.

 

 

Decís que “Love Frequency” es el fin de una trilogía. ¿Qué significa eso?

Representa el pasado, presente y futuro del grupo. Al comenzar nuestra carrera estábamos llenos de ilusiones, éramos ambiciosos; siempre quisimos hacer tres discos, parecía algo normal. Hoy día   estoy alucinado con haberlo conseguido, somos afortunados. Es increíble poder seguir en la industria, cada vez es más difícil.

 

¿Qué ha quedado de los días del New-Rave?

Seguimos siendo hedonistas y excitables. Todavía conservamos cierta locura, pero más controlada. Cuando empezamos en 2006 introdujimos color en una escena en blanco y negro; había muchas bandas británicas brillantes, como los Libertines, contando historias sobre la realidad de sus vidas. Nosotros queríamos hacer justo lo opuesto, meter diversión, psicodelia y flúor. Ahora hay más gente que ha abrazado nuestro estilo, como Tame Impala o MGMT, que estoy seguro de que lo habrían hecho de todas formas, pero nosotros hicimos esos vídeos surrealistas por primera vez.  No se trataba tanto de música como de crear un mundo escapista de fantasía, caleidoscópico y ácido, más próximo al universo de "Yellow Submarine" que a los primeros Beatles.

 

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